Hotel Astoria, 4 estrellas dedicadas al cine

El Hotel Astoria 7, es un hotel temático de 4 estrellas dedicado íntegramente al mundo del cine, sobre todo al Festival de San Sebastián que inició su historia en 1953. Ubicado en el centro de San Sebastián, sus instalaciones están donde antiguamente se encontraba el Cine Astoria.

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Desde que uno llega, puede ver a nada menos que a Alfred Hitchcock, sentado en un banco, con un libro de posters de cine en las manos. La música del hotel es bandas sonoras de películas de cine, por supuesto. Hasta las paredes del ascensor están recubiertas de imágenes relacionadas con el cine. La base de las lámparas son bobinas de las películas de rollo que provienen del Cine Astoria.

Cada una de sus 102 habitaciones repartidas en nueve plantas, está dedicada a una estrella del mundo del cine, directora, director, actriz o actor, que haya pasado por el Festival de San Sebastián alguna vez.
Las habitaciones no se nombran por números sino por el nombre de la estrella de cine a quien está dedicada. Para encontrar la habitación más fácilmente, enfrente de cada puerta, en el pasillo, hay colgado un póster con quien corresponde a esa habitación. Una vez dentro, una enorme foto preside la estancia, así como una reseña artística y detalles y anécdotas del paso por San Sebastián de dicha personalidad. La de mayor demanda es la Audrey Hepburn

En lugar del típico cartel de “No Molestar”, está el de “Silencio, se rueda”.

Cuenta con una sala de cine para los huéspedes, así como de filmoteca para que quien así lo desee, pueda elegir una película para disfrutarla en su habitación.
Cada mes, en la cafetería, hay un pincho nuevo dedicado al Festival de Cine que se esté celebrando en ese momento en cualquier ciudad del mundo. Esperamos que en mayo el pincho del mes esté relacionado con el Festival de Cine de Alicante…

Rocío Morin
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CINES AFRICANOS EN PERSPECTIVA

¿Qué evocas con estas dos palabras: Cine y África?

Quizá Memorias de África, El último rey de Escocia, Diamantes de sangre, El jardinero fiel, Hotel Rwanda, incluso El tiempo entre costuras… Todas ellas visiones desde nuestro mundo, con la gente y la cultura autóctona en segundo o tercer plano. Personajes prescindibles, manejables, medio tontos y absolutamente incultos. El cine de África no trae África a tu casa, a tu ciudad, como nos ha traído otros mundos incluso más lejanos.

Directores africanos hacen los tour de exhibición de sus películas como si se tratara de un circo ambulante, paseando pueblos y ciudades para hacer su obra mínimamente rentable.

Hace unas semanas asistí a la conferencia que, dentro del ciclo “Hablemos de África”, dio Beatriz Leal sobre cine africano. Vaya por delante que si me siento hoy a escribir estas letras y si me he atrevido a proponer que se publiquen en nuestro blog, ha sido por el magnífico efecto que tuvo esa conferencia en mi ánimo y mi (escaso) conocimiento de África.

Partiendo de una declaración “reveladora”,
Cines africanos en lugar de Cine africano

Beatriz hizo una magistral exposición de la diversidad de este arte en el enorme continente vecino. Naturalmente que al lector que le interese lo que estoy diciendo, ya se le habrá pasado por la mente que la inmensidad geográfica de África tiene que llevar necesariamente aparejada una gran riqueza cultural con manifestaciones diversas. Luego lo sorprendente sería lo contrario, es decir, que hubiera un único estilo artístico, en el cine como en otras artes. Bien, pues ese es precisamente el punto que me movió.

Cine diverso en países que sentimos casi indistinguibles. El poder del cine para presentar el mundo y sus personajes es extraordinario. La sociedad actual desconoce África en gran medida porque no tiene cine. Aunque Beatriz nos hablara de distintas etapas creativas, modas y temáticas. Aunque hoy por hoy existe el extraordinario fenómeno de Nollywood, en realidad no existe el cine africano porque no se exhibe en salas comerciales fuera de África y eso que la extraordinaria atracción de la música africana está echándole una buena mano para dejarse ver. Incluso en su propio entorno, los directores hacen los tour de exhibición de sus películas como si se tratara de un circo ambulante, paseando pueblos y ciudades para hacer su obra mínimamente rentable.

El cine africano, verdaderamente africano, hecho por africanos en África tiene una historia corta y tienes que buscarlo. Para verlo en una sala tienes que vivir en París o asistir a un festival específico (en España por cierto tenemos uno: el de Tarifa-Córdoba). Si no es así puedes recurrir al DVD disponible para algunas de sus películas más aclamadas, algunas de ellas premiadas en Festivales de mucho peso como Cannes y otros. Entonces las encuentras, con suerte subtituladas en francés, porque es Francia quién financia casi todo lo que ofrece esta interesante manifestación cultural. Y quien paga manda y así lo que llega es la visión de un africano que ha podido formarse en escuelas de cine europeas o rusas o norteamericanas, y que ha conseguido heroicamente que occidente le financie una obra en la que aparecen actores africanos, rodada en África. Eso es cine africano que el ciudadano medio, intelectualmente inquieto, puede detectar y disfrutar ¿diverso?
A Nollywood, si me lo permitís, me gustaría dedicarle un ratito específico y diferenciado.
Mi agradecimiento a Beatriz Leal y felicitaciones por su conferencia.

Directores y productores del cine africano

Ousmane Sembène (Senegal) Considerado del padre del cine africano y una autoridad en la materia. Director de la película Borom sarret (El carretero. 1966), que fue la primera película senegalesa y símbolo del nacimiento del cine autóctono africano. Está disponible en Youtube (duración 20 minutos).


A partir de los años ’90 nuevos directores y mayor diversidad:

Jean Pierre Bekolo (Camerún). Nominado por el Instituto Británico de cine en 1993, por Quartier Mozart (El cuarteto Mozart. 1992)

Jean Pierre Bekolo

 Jean Pierre Bekolo (Camerún). Nominado por el Instituto Británico de cine en 1993, por Quartier Mozart (El cuarteto Mozart. 1992). Su film de Le complot d’Aristote (1996) supuso la entrada del cine africano en la selección especial del Instituto de Cine Británico en la conmemoración del centenario del cine.

Fuente

 

Moussa Touré (Senegal). Creó una productora propia en 1987: “Les Films du Crocodile” con la que produjo documentales.

Moussa Touré

Moussa Touré (Senegal). Creó una productora propia en 1987: “Les Films du Crocodile” con la que produjo documentales. En 2002 Touré creó el “Moussa invite” en Rufisque (Senegal), festival de documentales africanos hechos por africanos. Un éxito reciente es su película (semi-documental) La Pirogue (La Piragua 2012) que en mi modesta opinión debería traducirse por La patera. Fuente.

Jean Marie Teno (Camerún). Brillante director y productor de documentales sobre la historia pre y post-colonial de África.

Jean Marie Teno

Jean Marie Teno (Camerún). Brillante director y productor de documentales sobre la historia pre y post-colonial de África. Premiado en numerosos festivales ha sido invitado por muchas Universidades occidentales para dar cursos y conferencias. Sus obras más famosas: Africa, je te plumerai; A Trip to the Country; Clando; Chief!; Alex’s Wedding; y The Colonial Misunderstanding.
Fuente

 

Abderrahmane Sissako

Abderrahmane Sissako

Abderrahmane Sissako (Mauritania). Director y escritor, formado en la escuela de cine de Moscú (1983-89), que ha vivido y trabajado mucho en Mali y Francia. Ganador de muchos premios en distintos certámenes e incluso miembro del jurado de festivales como el de Berlín y Cannes. Conocido por La vie sur terre (La vida en la tierra. 1998), Heremakono (Esperando la felicidad. 2002), Bamako (2006) y otras. Su temática suele ser la globalización, el exilio y los desplazados. Fuente

 

Mahamat-Saleh Haroun (Chad). Director de cine que vive en Francia desde 1982. Ha sido premiado en numerosos festivales europeos como en Venecia que ganó el gran premio especial del jurado con Daratt (2006)

Mahamat-Saleh Haroun

Mahamat-Saleh Haroun (Chad). Director de cine que vive en Francia desde 1982. Ha sido premiado en numerosos festivales europeos como en Venecia que ganó el gran premio especial del jurado con Daratt (2006); en Cannes también el premio del jurado con Un home qui crie (2010) y recientemente, en 2013 su película Grigris también en Cannes, ha sido nominada para la Palma de Oro. Fuente

 

 

Ahmad Abdala (Egipto). Editor y director conocido por Heliopolis (2009), Microphone (2010) y Farsh wa ghata (2013). Es un buen representante del nuevo cine árabe-africano. Su película Microphone fue premiada en festivales de distintos países árabes como Egipto, Turquía, Dubai y Tunez.

Charlie Vundla (Surafrica). Director de cine que comenzó su carrera como reportero de fútbol. Vive en Nueva York y su cine tiene gran influencia norteamericana. Se ha hecho famoso a partir de su premiada película de acción How to Steal 2 Million (Como robar dos millones, 2011).

Propuestas en femenino:

Alla Kovgan Nacida en Moscú pertenece a la escuela de Boston

Alla Kovgan

Alla Kovgan; nacida en Moscú pertenece a la escuela de Boston. Sus películas, mayoritariamente documentales y cortos, se han presentado en festivales de todo el mundo como en Sundance, Rotterdam, Toronto, Melbourne y muchos otros. Su relación con el cine africano cobra especial protagonismo en su película más famosa.

 

 

Nora (Zimbabwe, 2008)

Nora (Zimbabwe, 2008)

Nora (Zimbabwe, 2008) Codirigida con David Hinton es una poética biografía de la bailarina y coreógrafa de Zimbabwe Nora Chipaumire. En ella se muestran múltiples artistas locales de todas las edades, desde niñas a abuelas. La mayor parte de la música de la película ha sido especialmente compuesta por el gran músico de Zimbabwe Thomas Mapfumo. Nora ha estado en la selección oficial de 80 festivales de cine (incluido el Festival de Cine Africano de Tarifa-Córdoba), y ha recibido 23 premios. Otros éxitos de la directora son Traces of the Trade (2007), nominada para los premios Emmy y My perestroika (Mi perestroika 2009)estrenada en el Sundance y en la televisión pública norteamericana (PBS). Con la KINODANCE company, Alla ha dirigido diversos proyectos documentales sobre la danza como el Movement (R)evolution Africa.

Comentarios sobre la charla de Beatriz Leal en el curso Hablemos de África. Sede de la Universidad de Alicante. 17 de febrero de 2014

¿Conoces algún título de los Cines Africanos?
Comparte con nosotros tu experiencia

Kika Colom

Alan Smithee, la piñata del cine norteamericano

Alan Smithee fue una especie de piñata, a la que directores, guionistas, productores y actores, con los ojos vendados, le fueron dando de palos pero con una diferencia: pensaban que no habría premio. Y la piñata se rompió y sí, los hubo aunque no para todos.

Alan Smithee es el anagrama de The Alias Men o los hombres con un alias

The Alias Men o Alan Smithee

Este buen hombre fue una especie de escudo y detrás, protegían su reputación personajes de la talla de Dennis Hopper, Kiefer Sutherland, Arthur Hiller o David Lynch entre otros, que no satisfechos con el resultado de sus trabajos optaron porque estos vieran la luz, pero no respaldados por sus nombres, sino con la firma de Alan Smithee. Su firma está en películas, videoclips y series.

Camino_de_retornoEsta práctica tuvo tal arraigo, que el mismo Sindicato de Directores de Estados Unidos registró este nombre en 1968, para poder utilizarlo cada vez que fuera necesario y fue utilizado oficialmente hasta el año 2000. Alan Smithee nunca existió y sin embargo, produjo, dirigió y hasta actuó en muchas películas, como por ejemplo:
La Ciudad sin Ley: western de 1969, parece ser la primera película “dirigida” por Alan Smithee. Culpan al carácter caprichoso de Richard Widmark del mal resultado de este film cuyo rodaje fue muy complicado. Tuvo dos directores diferentes, pero ninguno quiso aparecer en los títulos de crédito, debutando así Alan Smithee como director.

Backtrack/Catfire : esta película fue realmente dirigida por Dennis Hopper, quien también actuó en ella, junto con John Turturro y Jodie Foster entre otros. Se estrenó como Backtrack, pero posteriormente se emitió en televisión como Catfire.

En la décima temporada de la serie de televisión Los Simpson, en el quinto capítulo titulado “¡Oh! En el viento” hay una especie de homenaje a Alan Smithee, cuando en el capítulo se rueda un corto cuyo resultado es un desastre y aparece Alan Smithee como director del mismo.

The Tony Blair Witch Project: es una parodia del film de 1999 The Blair Witch Project bajo la dirección de Mike A.Martínez, quien también realizó el guión, pero en los títulos de crédito aparece Alan Smithee como coguionista, para compartir el desastre con Martínez.

¿Adivinas quién dirigió el capítulo piloto de la exitosa serie de televisión Mac Gyver? No podría ser otro que Alan Smithee…

Vídeo Musical de “I will always love you”: interpretada por Whitney Houston en El Guardaespaldas. Este vídeo es parte de una recopilación de los grandes éxitos de la desaparecida Houston y en esta ocasión, quizás como excepción que confirma la regla, la firma de Alan Smithee obedece a una decisión de respeto al director del film, ya que en el vídeo lo que se muestran son, en su mayoría, planos del film.

Burn Hollywood Burn by Alan SmitheeAn Alan Smithee Film: Burn Hollywood Burn: Eric Idle, miembro de los Monty Phyton, protagoniza este film en el que hace de un director de cine que va a Hollywood a abrirse camino. ¿Cómo se llama el personaje? Sí, Alan Smithee. El director Arthur Hiller, siguiendo ejemplo, al ver el resultado de su película, decidió cargarle el muerto a Alan Smithee, para variar. Hiller contaba con una reputación como la que le dio Love Story, así que Smithee lo sustituyó en los títulos de crédito.

Kiefer Sutherland en  “Se busca Mujer”, comparte la responsabilidad de la dirección de la película con Alan Smithee.

Dune, dirigida por David Lynch, cuya versión extendida para la televisión se estrenó bajo la firma de Alan Smithee como director

Rocío Morín

“Siempre hay algo auténtico oculto en toda falsificación”

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La migliore offerta (La mejor oferta)

 Dirigida por el italiano Giuseppe Tornatore y protagonizada por Geoffrey Rush y Sylvia Hoeks.

La Mejor Oferta, de Giuseppe TornatoreVirgil Oldman (Geoffrey Rush) es un prestigioso tasador y agente de subastas experto en arte. Su maniática, hasta el punto de llegar a enfermiza, personalidad le ha anulado la oportunidad de mantener cualquier tipo de relación con alguna mujer, e incluso con alguna persona. La obsesión de llevar siempre sus manos cubiertas con guantes o el hecho de no soplar su vela de cumpleaños encendida unas horas antes de que fuese el mismo son evidencias que transmiten al espectador su excentricidad en el día a día. La aparente ausencia de sentimiento o emoción hacia todo lo que le rodea se trunca a la hora de valorar una obra de arte. Es un experto en datar un cuadro y decidir sobre la autenticidad o falsificación de la misma. Su lado humano se presenta al público cuando desnuda su mano derecha para tocar un cuadro mientras sus ojos la analizan a través de una lupa.

Entre sus diferentes manías tiene una gran obsesión por los retratos femeninos. Almacenados en una especie de habitación secreta, Virgil, siente hacia esos cuadros sensaciones que a lo largo de su vida nunca ha manifestado por un ser vivo.

"La mejor oferta", dirigida por el italiano Giuseppe TornatoreLa película rompe su narración aparentemente lineal con la aparición de Cler, una joven aislada del mundo por el pánico que siente a salir de casa y a los espacios despejados y concurridos de personas como las calles o las plazas (agorafobia).

La relación entre ambos comienza por un insistente acuerdo laboral que quiere establecer la joven con el señor Oldman. En un primer momento es desesperante la continua voluntad de Cler por querer comunicarse con el subastador; esa testaruda persistencia crea en Virgil una leve adicción hacia ella que va creciendo a medida que su relación se consolida. Así, Tornatore crea un giro inesperado de la trama que comienza con la continua y cambiante voluntad de la joven por querer, y no querer, mantener relación con una persona, dado que su enfermedad la anulaba socialmente; más tarde, esa bipolaridad de Cler lleva a una progresiva curiosidad del subastador hacia ella que le engancha por completo convirtiéndole en un pelele fruto del sentimiento del amor, nunca antes experimentado por Virgil hacia una mujer real.

Subir la cremallera de un vestido por la espalda con la mano sin guante, empezar a usar teléfono móvil para comunicarse con ella y llegar tarde, exhausto y descuidado a una subasta por estar buscando a la chica desaparecida, son detalles a través de los que Tornatore desvela al público la influencia que el sentimiento de amor está causando en el protagonista, antes un ser sumamente correcto y preocupado por sus manías. Jim Sturgess, actor del reparto del film, declara en una entrevista “Virgil Oldman es un hombre roto que una vez arreglado es destruido en mil pedazos.”

“La mejor oferta” tiene valores añadidos a una mera película de entretenimiento como consecuencia de la integración de múltiples tramas. Primero el trabajo psicológico que se observa en ambas personalidades protagonistas de la película. Por un lado la chica agorafóbica y por otro el hombre maniático. Ambas trabajadas desde una minuciosidad en detalles que hace que el espectador comprenda ambas enfermedades mentales a la perfección.

En un segundo plano de valores añadidos está el enriquecimiento cultural. La profesión del personaje principal como agente de subastas es la ventana que Tornatore usa para mostrar el nivel artístico de su filme. Desde cuadros y muebles hasta las piezas del autómata que Virgil va encontrándose en la casa de Cler, convirtiendo a la figura del autómata en clave fundamental de la historia.

Una tercera cuestión que también surge de la profesión del protagonista es el mundo de la estafa en las subastas. Por un lado, se encuentra el poder que tiene un agente de subastas con nombre al aprobar o desaprobar la autenticidad de una obra o proponer su precio de salida (alto o bajo) en función de su veredicto. Y por otro lado la amistad de Virgil con el personaje interpretado por Donald Sutherland es un evidente reflejo del director para mostrar la confabulación en la esfera artística.

Duración del film: una hora y treinta y un minutos. Alrededor de treinta segundos es el tiempo necesario para el cerebro del espectador en relacionar hechos y aparentes clarividencias que se van viendo en el desarrollo de la película hasta que sucede el punto de inflexión que da el giro de trescientos sesenta y cinco grados a la historia. “Todo puede falsificarse”; así lo expresa el personaje interpretado por Donald Sutherland, gran amigo del protagonista.

Ficha Técnica: La Mejor Oferta, de Giuseppe Tornatore

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Sheila Montes Martínez

Los Ojos De Julia, su banda sonora se creó para ser oída, pero no escuchada

Los ojos de Julia dirigida por Guillén Morales

La música ha sido compuesta por Fernando Velázquez, autor de la banda sonora de “Lo Imposible”, “El Orfanato”, “Spanish Movie”, Devil, La Trampa del Mal” y “Mamá”, entro otras muchas.

Fernando Velázquez

Fernando Velázquez

La música en el cine abarca espacios ambientales y emocionales, pero también puede asumir tareas narrativas, que son aquellas que complementan las explicaciones del guión literario o, incluso, aportan elementos de comprensión que no existen en los diálogos o las imágenes. Esto es así desde que la música de cine dejó de ser un elemento meramente sonoro para transformarse en una herramienta de narración, hace ya mucho tiempo. En el cine del pasado, en el cine del presente y seguirá siendo así en el cine del futuro. Porque la música de cine es, en sí, puro cine. No todas las películas, obviamente, necesitan que la música explique, pero sí hay películas en las que por ausencia de explicación musical, quedan menos dimensionadas.

Guillem Morales no ha querido que en “Los ojos de Julia” la música sea explicativa y, por tanto, la ha privado de responsabilidades narrativas (aunque no ha podido evitarlo… síganle la pista, por ejemplo, al tema romántico en su desarrollo durante el filme). Tampoco ha querido que la música ocupe primeros planos y que, por tanto, se subyugue absolutamente a las imágenes: “no quiero que nadie que salga del cine recuerde la música. Que sea oída, pero no escuchada”. Morales sabe, pues lleva el cine en las venas, que la música oída pero no escuchada tiene una utilidad enorme porque llega a la audiencia a través del inconsciente y, por tanto, el espectador queda más indefenso al no poder tener control sobre ella. Es un recurso idóneo, por ejemplo, para cuando la protagonista entra en espacios en los que no sabe qué es lo que se va a encontrar. La música no define ni pone cara y ojos al peligro y, por tanto, es bueno evitar definir con música aquello que es indefinible. Y Velázquez lo resuelve muy brillantemente con una música hostil aplicada en los entornos en los que la protagonista se ve abocada a desenvolverse y que añade nebulosidad al ambiente. Fuente: ¡Viva la banda sonora!

La Lengua de las Mariposas, sabías que…

La música es de Alejandro Amenábar, director de cine de películas como Tesis, Abre los Ojos, Los Otros, Mar Adentro y Ágora, entre otras. Esta faceta de su carrera es desconocida para muchos cinéfilos a pesar de haber participado como compositor no sólo en La Lengua de las Mariposas, sino también en otras películas.

La Lengua de las Mariposas es el nombre de uno de los cuentos del libro “¿Qué me quieres, amor?” de Manuel Rivas y en el que se basó esta película.

BSO La Lengua de las Mariposas, track 1

La transformación de Natalie Portman en el Cisne Negro

Cisne Negro, de Darren Aronofsky

Dicen que la bailarina Sarah Lane, cuyo cuerpo es el que se ve en los planos de ballet, se quejó del poco reconocimiento que había tenido. Más allá de la veracidad o no de esto, lo meritorio es la transformación que logra Natalie Portman, ya que en la película logra moverse, andar, sentir como una bailarina de ballet y transmitirlo al espectador. Su actuación es soberbia y prueba de ello es el Oscar a mejor actriz con el que fue premiada por su trabajo en esta película.

Benjamin Millepied, marido de Natalie Portman, participó como coreógrafo de Cisne Negro. Fue en esta película donde ambos se conocieron y enamoraron.

Diego Cirulo (investigador y analista cinematográfico) realiza un análisis sobre este interesante film. Las imágenes y banda sonora de este film son propiedad de Fox Searchlight Pictures.

‘Black Swan’ (Cisne Negro): Video revela los Efectos Especiales

¡Rodrigo Cortés nos saluda !

Si, si, si. Cómo bien dice el título de nuestro artículo el director Rodrigo Cortés nos saluda.

El martes 19 de noviembre 2013, los asistentes a la sesión de “Concursante”  podrán tener un vídeo-prólogo sorpresa. Aquí os lo dejamos para que podáis disfrutarlo

Gracias al Festival de Cine de Alicante  y especialmente a su director Vicente Seva, hemos hecho posible este encuentro Director/Espectador, ha sido un gran regalo para los participantes de nuestra actividad.

Esperamos responder al saludo de Rodrigo Cortés con los comentarios de nuestros asistentes. ¡Gracias!

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